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segunda-feira, 5 de abril de 2021

Blackhorse - Blackhorse - 1979 (Hard Southern Rock {US})

Blackhorse - Blackhorse - 1979

Blackhorse foi um power-trio texano (Mineral Wells, Texas, EUA), que operou na área de Fort Worth/Dallas durante os anos setenta. A banda, formada no início dos anos 70, estava no mesmo território que ZZ Top e Point Blank, tocando um quase impecável "boogie texano", além de estar lá ou por aí durante a década, enquanto essas duas outras equipes estavam gravando e em turnê incessantemente.

Gary James tinha uma reputação formidável, e seu jeito de tocar pavimentou o caminho para muitas outras bandas seguirem seus passos. É fácil ver onde outras bandas sulistas podem ter aprendido uma ou duas coisas ao assistir Blackhorse se apresentar ao vivo em muitos locais ao longo do sul durante aquele período.

Embora estejamos refletindo sobre este álbum anos depois, seu significado é mencionado na lista do crítico de rock Martin Popoff dos "Os 100 álbuns mais pesados ​​dos anos setenta", alcançando o 75º lugar em uma lista que contém Motörhead, AC/DC e Van Halen!

Musicalmente, Blackhorse está esticando os limites de seu pedigree texano. O trabalho de guitarra de James aumentou a tal ponto que as comparações podem ser feitas com Molly Hatchet, Doc Holliday e aquele esforço único de Freddie Salem and The WildcatsO álbum foi relançado no ano 2013 em formato CD, mas apenas 1.000 cópias foram disponibilizadas e estavam originalmente na imprensa privada.

Este álbum é totalmente inacreditável em seus riffs de guitarra ricos e diabólicos e muito único, pois funde hard rock e toque sulista. É um álbum incrível e deve ser tocado em alto e bom som. O álbum certamente irá agradar aos fãs da Blackfoot, Point Blank e Molly HatchetA banda ainda está em atividade e você também poderá encontrá-la no link logo abaixo, depois do texto em inglês. Divirta-se!

⭐⭐⭐⭐⭐

Blackhorse was a Texan (Mineral Wells, Texas, US) power trio who operated in the Fort Worth/Dallas area during the seventies. The band, formed in the early 70's, was in the same territory as ZZ Top and Point Blank, playing an almost impeccable "Texan boogie", besides being there or there during the decade, while these two other teams were recording and in tour incessantly.

Gary James had a formidable reputation, and his playing paved the way for many other bands to follow in his footsteps. It is easy to see where other southern bands may have learned a thing or two from watching Blackhorse perform live in many locations throughout the south during that period.

Although we are reflecting on this album years later, its meaning is mentioned in the rock critic Martin Popoff's list of the "100 heaviest albums of the seventies", reaching 75th place in a list that contains Motörhead, AC/DC and Van Halen!

Musically, 09 is stretching the limits of his Texan pedigree. James' guitar work has increased to such an extent that comparisons can be made with Molly Hatchet, Doc Holliday and that unique effort by Freddie Salem and The WildcatsThe album was relaunched in 2013 in CD format, but only 1,000 copies were made available and were originally in the private press.

This album is totally unbelievable in its rich and diabolical guitar riffs and very unique, as it fuses hard rock and a southern touch. It is an incredible album and should be played loud and clear. The album is sure to please fans of Blackfoot, Point Blank and Molly HatchetThe band is still active and you can also find it at the link below, after this text. Enjoy!
website: blackhorse

Membros
Mr. Gary James - guitarra, vocal
Paul Anthony Middleton - baixo, vocal
John Teague - bateria, vocal

Blackhorse (01)
Blackhorse (02)
01. Fox huntin' 
02. Lucille 
03. Velvet angel 
04. The party's started
05. Mamma gonna love you tonight
06. Cannot find my way home
07. Hell hotel
08. You've got the way 
09. Slow down Tom
10. Dave's song
11. Spenser corner

Mp3 320kbps and full artworks: enjoy!

BlackhorseCannot find my way home - 1979

domingo, 4 de abril de 2021

Rust - Come with me - 1969 (Heavy Acid Psych Rock {UK/Austrália})

Rust - Come with me - 1969

Embora a banda estivesse localizada na Alemanha e seu único LP tenha sido lançado por uma gravadora alemã (Hör Zu), dois deles eram do Reino Unido e, o terceiro, da Austrália. O único LP da Rust é orientado para o rock psicodélico, mas também existem alguns elementos que podem ser considerados proto-progressivos. Um pouco de hard rock e guitarras fuzz também. Sendo assim, seria melhor classificar como heavy acid psychedelic rock. Os destaques são as faixas "Think big", "Rust", "Delusion", "Doesn't up to me", "Find a hideaway" e "Come with me".

O australiano Jonny Thomas e dois ingleses (Walt Monaghan e Brian Hillman) juntaram-se na Alemanha, tocando em bases do Exército na Renânia. O guitarrista australiano também tocou com Edgar Broughton Band, algumas vezes se autodenominou "Creepy" John Thomas e também usou o nome artístico de Johnny Driver (final dos anos 70 em Berlim). Ele foi membro compositor da banda australiana The Flies e colaborou com Dave Stewart e Annie Lennox.

Como artista solo, lançou dois LPs durante sua carreira: "Creepy John Thomas" (RCA Victor, 1969) e "Brother bat bone" (Telefunken, 1970). Em 1969 lançou o single "Ride a rainbow/Moon and eyes song" (RCA Victor). E, posteriormente teve seus trabalhos relançados nas compilações "Creepy John Thomas/Brother bat bone" (Keyhole Records, 2010) e "Trippin' like a dog and rockin' like a bitch: The complete recordings" (Grapefruit Records, 2020).

O álbum "Come with me" tem a palavra "Underground" sob o nome do grupo (Rust) na capa, na mesma fonte do título do álbum. Isso é puramente uma etiqueta de marketing e não faz parte do nome da banda e nem uma legenda, já que não é replicado em nenhum outro lugar do lançamento original, embora possa ser considerado assim, se desejado.

Walter Monaghan seguiu carreira como membro da Freedom, Mick Abraham Band, If e como membro da banda do final dos anos 1970 de Ted Nugent.

⭐⭐⭐⭐⭐

Although the band was located in Germany and their only LP was released by a German label (Hör Zu), two of them were from the United Kingdom and the third from Australia. Rust's only LP is oriented towards psychedelic rock, but there are also some elements that can be considered proto-progressive. A little bit of hard rock and fuzz guitars too. Therefore, it would be better to classify it as heavy acid psychedelic rock. The highlights are the tracks "Think big", "Rust", "Delusion", "Doesn't up to me", "Find a hideaway" and "Come with me".

Australian Jonny Thomas and two Englishmen (Walt Monaghan and Brian Hillman) joined in Germany, playing at Army bases in Rhineland. The Australian guitarist also played with Edgar Broughton Band, sometimes calling himself "Creepy" John Thomas and also using the stage name Johnny Driver (late 70s in Berlin). He was a composing member of the Australian band The Flies and collaborated with Dave Stewart and Annie Lennox.

As a solo artist, he released two LPs during his career: "Creepy John Thomas" (RCA Victor, 1969) and "Brother bat bone" (Telefunken, 1970). In 1969 he released the single "Ride a rainbow/Moon and eyes song" (RCA Victor). And, later, his works were relaunched in the compilations "Creepy John Thomas/Brother bat bone" (Keyhole Records, 2010) and "Trippin 'like a dog and rockin' like a bitch: The complete recordings" (Grapefruit Records, 2020).

The album "Come with me" has the word "Underground" under the group name (Rust) on the cover, in the same source as the album title. This is purely a marketing tag and is not part of the band's name or a caption, as it is not replicated anywhere else in the original release, although it can be considered that way, if desired.

Walter Monaghan pursued a career as a member of Freedom, Mick Abraham Band, If and as a member of the late 1970s band of Ted Nugent.

Membros
Jonny Thomas - guitarra, voz
Brian Hillmann - bateria
Walter "Walt" Monahan - baixo

Rust
01. Come with me (introduction)
02. You thought you had it made
03. Please return
04. Should I
05. Think big
06. Rust
07. Delusion
08. Doesn't add up to me
09. Find a hideaway
10. Come with me
11. The endless struggle

Mp3 320kbps and full artworks: enjoy!

Rust - Come with me - 1969

sexta-feira, 26 de março de 2021

Companion - Reap the lost dreamers - 1974 (Progressive Folk Rock {US})

Companion - Reap the lost dreamers - 1974

Após a separação do grupo Leviathan, em 1974, alguns de seus membros formaram a Companion, que gravou o único trabalho "Reap the lost dreamers" no mesmo ano. A música é uma mistura de rock progressivo, folk e pop rock (principalmente vocais). Três membros da banda tocam teclado. Muitos vocais, guitarras e sintetizadores e um som muito melódico. Um registro agradável em todos os aspectos.

Destaco a magistral introdução "Blackbird" que, embora não seja autoral (todos aqui sabem que é da The Beatles...), impressiona pelo excelente trabalho que os músicos fizeram para deixar a melodia ainda mais interessante que a original. Outra faixa que destaco é "Prelude to the lost dreamer/Wine for dreamer/Dreamer's finale". Mas, pode ter certeza que há muito mais para descobrir neste excelente álbum. 
No site It's Psychedelic Baby Magazine, você poderá encontrar uma entrevista com Wain Bradley. Divirta-se!

⭐⭐⭐⭐⭐

After the separation of the Leviathan group in 1974, some of its members formed Companion, which recorded the only work "Reap the lost dreamers" in the same year. The music is a mixture of progressive rock, folk and pop rock (mainly vocals). Three band members play the keyboard. Many vocals, guitars and synthesizers and a very melodic sound. A pleasant record in all aspects.

I highlight the masterful introduction "Blackbird" which, although not authorial (everyone here knows that it is from The Beatles...), impresses with the excellent work that the musicians did to make the melody even more interesting than the original. Another track that I highlight is "Prelude to the lost dreamer/Wine for dreamer/Dreamer's finale". But, you can be sure that there is much more to discover in this excellent album. On the It's Psychedelic Baby Magazine website, you can find an interview with Wain Bradley. Enjoy!

Membros
Wain Bradley - vocais, baixo, teclados
Brit Warner - vocais, guitarras, teclados
Mike Russell - piano, órgão,
sintetizador ARP, vocais
Andy Tate - guitarras, vocais
Convidado
Shof Beavers - bateria,
percussão

Companion - Reap the lost dreamers - 1974 (CD)
01. Blackbird
02. To the better days
03. The child goes on
04. The lonely reaper
05. Prelude to the lost dreamers/
Wine for dreamers/Dreamer's final
06. You will know
07. Lost my past to you
08. Second chance
09. Anytyme, anywhere (bonus)

Mp3 320kbps and full artworks: enjoy!

Companion - Blackbird - 1974
CompanionPrelude to the lost dreamers/
Wine for dreamers/Dreamer's final - 1974

Hamsin (חמסין) - Hamsin (חמסין) - 1980 (Blues Funk Soul Rock {Israel})

Hamsin (חמסין) - Hamsin (חמסין) - 1980

Difícil encontrar informações sobre a banda. Provavelmente formada em Tel Aviv, pelo músico multi-instrumentista Efraim Shamir, já conhecido por tocar na banda Kaveret (de Tel Aviv). A banda era formada por Efraim Shamir (guitarra), Alon Hillel (bateria) e Ohed Inger (baixo), e juntos lançaram este único LP em 1980. O álbum foi gravado no Triton Studios e ao vivo no Midway (אמצע הדרך).

O álbum apresenta um excelente trabalho da guitarra e do baixo, misturando os elementos do blues, funk, soul e rock. É um álbum divertido, fácil de escutar do início até o fim. Se você é do tipo de pessoa que não se importa em escutar música cantada em outros idiomas, então com certeza irá gostar. Todas as músicas são cantadas em hebraico. Destaco as faixas "There are elves (יש עלמים)", "Night (הלילה)" e "Gabriel (גבריאל)". Não é um grande álbum, mas vale a pena conhecer um pouco das obras israelenses. Divirta-se!

⭐⭐⭐⭐⭐

Difficult to find information about the band. Probably formed in Tel Aviv, by the multi-instrumentalist musician Efraim Shamir, already known for playing in the band Kaveret (from Tel Aviv). The band consisted of Efraim Shamir (guitar), Alon Hillel (drums) and Ohed Inger (bass), and together they released this single LP in 1980. The album was recorded at Triton Studios and live on Midway (אמצע הדרך).

The album presents an excellent work of guitar and bass, mixing the elements of blues, funk, soul and rock. It's a fun album, easy to listen to from beginning to end. If you're the type of person who doesn't mind listening to music sung in other languages, then you're sure to like it. All songs are sung in Hebrew. I highlight the tracks "There are elves (יש עלמים)", "Night (הלילה)" and "Gabriel (גבריאל)". It is not a great album, but it is worth knowing a little of the Israeli works. Enjoy!

Membros
Efraim Shamir - guitarra
Alon Hillel - bateria
Ohed Inger - baixo

Hamsin (חמסין)
01. I'm burning my heart (שורפת את הלב)
02. What are you saying? (מה את אומרת)
03. There are elves (יש עלמים)
04. Night (הלילה)
05. All time is time (כל זמן זה זמן)
06. Almost not sad (כמעט שלא עצוב)
07. Gabriel (גבריאל)
08. Hopefully it will pass with age
(מקווה שיחלוף עם הגיל)

Mp3 320kbps and full artworks: enjoy!

Hamsin (חמסין)Night (הלילה) - 1980

quinta-feira, 25 de março de 2021

Saffran - Blue in ashes - 1975 (Progressive Jazz Rock {Alemanha})

Saffran - Blue in ashes - 1975
Saffran foi uma banda alemã formada em Munique.
Ela era formada por cinco músicos que tocavam
rock progressivo um pouco reminiscente do
estilo de Gentle GiantA banda era formada
por Wolfgang Gohringer (guitarra, Out of Focus
e depois em Robespierre), Rainer Wagner
(voz, sax, guitarra), Hilmar Binder
(bateria, depois em Robespierre),
Günther Hasinger (baixo, flauta) e
Hans Glinka (teclados, depois em
The Nighthawks). Graças ao seu single
Saffran tornou-se conhecida.

Em 1975, o único álbum "Blue in ashes" foi gravado.
No entanto, não foi lançado, porque a banda
não interessou às gravadoras.
Em 2004, o "Blue in ashes" foi reeditado
em CD, incluindo o single de 1974.
O mais interessante do álbum é
a combinação perfeita de muitos estilos.
Todas as músicas foram escritas pela banda,
exceto "Eleanor rigby", da The Beatles.
Das faixas, destaco "Heavy Maggie",
"Uzahrade Saffranu", a bela introdução
de "For you" e as duas últimas faixas.
Entre os instrumentos solo, destacam-se
a flauta e o saxofone. 
Não é um grande álbum, apenas
tem alguns bons momentos.

⭐⭐⭐⭐⭐

Saffran was a German band formed in Munich.
It consisted of five musicians who played
progressive rock somewhat reminiscent
of the Gentle Giant style. The band consisted
of Wolfgang Gohringer (guitar, Out of Focus
and later Robespierre), Rainer Wagner
(voice, sax, guitar), Hilmar Binder
(drums, later Robespierre), Günther
Hasinger (bass, flute) and Hans Glinka
(keyboards, then The Nighthawks).
Thanks to his single
Saffran became known.

In 1975, the only album "Blue in asheswas recorded.
However, it was not released, because the band
did not interest the record companies.
In 2004, "Blue in ashes" has been reissued
on CD, including the 1974 single.
The most interesting thing about
the album is the perfect
combination of many styles.
All the songs were written by the band,
except The Beatles' "Eleanor Rigby".
Of the tracks, I highlight "Heavy Maggie",
"Uzahrade Saffranu", the beautiful
introduction of "For you"
and the last two tracks.
Among the solo instruments,
the flute and saxophone stand out.
It's not a great album, it just
has some good times.

Membros
Wolfgang Gohringer - guitarra
Rainer Wagner - voz, sax, guitarra
Hilmar Binder - bateria
Günther Hasinger - baixo, flauta
Hans Glinka - teclados

Saffran
01. Blue in ashes
02. On your funeral pile
03. Eleanor Rigby
04. Heavy Maggie
05. Uzahrade Saffranu
06. For You
07. Doris
08. Floating
09. Die jungen Dinger (bonus)
10. January (bonus)

Mp3 320kbps and full artworks: enjoy!

Saffran - Blue in ashes - 1975 (full album)

segunda-feira, 22 de março de 2021

Visitor 2035 - Visitor 2035 - 1978 (Progressive Jazz Fusion Rock {UK})

Visitor 2035 - Visitor 2035 - 1978

Visitor 2035 foi uma banda de curta duração baseada no Reino Unido, com o irlandês John Mason e Craig Pruess, um americano residente no Reino Unido desde 1973. Mason é conhecido como membro do grupo irlandês Fruupp. Pruess se apresentou com Mike Oldfield e fez arranjos para músicas de Sarah Brightman, Def Leppard e Massive Attack, entre muitos outros. Outros membros foram Ray Deefholts (guitarra), Nigel Robinson (percussão) e Peter Stroud (baixo). Mason tocava teclado e Pruess tocava trompete.

A banda lançou "Cain! A modern mystery play" em 1976, e lançou o álbum homônimo em 1978 pelo selo alemão Hansa.

A música da Visitor 2035 está fortemente enraizada no fusion, do lado do Weather Report, com elementos sinfônicos onipresentes e texturas de teclado misteriosas e espaciais. É recomendado para fãs de música que está saindo do reino do fusion, bem como para todos os fãs de boa música.

⭐⭐⭐⭐⭐

Visitor 2035 were a short-lived band based in the UK, with the Irishman John Mason and Craig Pruess, an American residing in UK since 1973. Mason is renowned as a member of the Irish top-notch outfit 
Fruupp. Pruess performed with Mike Oldfield and did arrangements for music of Sarah Brightman, Def Leppard and Massive Attack, among many others. Other members were Ray Deefholts (guitar), Nigel Robinson (percussion) and Peter Stroud (bass). Mason played keyboards, and Pruess was on the trumpet.

The band self-released "Cain! A modern mystery play" in 1976, and released the self-titled album in 1978 for the German label Hansa.

The music of Visitor 2035 is heavily rooted in fusion, on the Weather Report side, with omnipresent symphonic elements and eerie spacey keyboard textures. It's recommended to fans of music which is stepping out of the fusion realm, as well as to all fans of good music.

Membros
John Mason - teclados
Craig Pruess - trompete, teclados
Ray Deefholts - guitarra
Nigel Robinson - percussão
Peter Stroud - baixo

Visitor 2035 - Visitor 2035 - 1978 (back)
01. Don Genaro's waltz
02. At the gates...
of cosmic consciousness
03. Toefunk
04. Celestial dream song
05. Centre of the winds
06. Cassiopiea
07. Contemplation

Mp3 320kbps and artworks: enjoy!

Visitor 2035 - Visitor 2035 - 1978

sábado, 20 de março de 2021

Ilous & Decuyper - Ilous & Decuyper - 1971 (Progressive Folk Rock {França})

Ilous & Decuyper - Ilous & Decuyper - 1971
Ilous & Decuyper é uma dupla francesa de
folk rock progressivo do início dos anos 1970,
formada por Bernard Ilous e Patrice Decuyper.
Abaixo está o texto que se encontra
nos booklets que acompanham o CD.

História

A história da Ilous & Decuyper se confunde com a história da criação do selo Flamophone pelo impressor musical Claude Puterflam, uma gênese que deve muito ao ícone do rock francês Jacques Dutronc (ainda que de forma indireta). Puterflam iniciou sua carreira musical como cantor/compositor, e assinou contrato com o selo Vogue em 1965. Lançou alguns singles e EP's antes de se tornar diretor artístico dessa empresa. Enquanto isso, um grupo de músicos estava abrindo caminho no mundo do rock francês como banda de apoio a Jacques Dutronc (que se tornou uma estrela inesperada em 1966 com seu hit "Et moi, et moi"): essa banda era composta pelo guitarrista Gérard Kawczynski (apelidado de "Crapou" por Dutronc), o baixista Christian Padovan e o baterista Michel Pelay.

Após várias tentativas de Dutronc de ampliar o núcleo Crapou/Padovan/Pelay, dois novos membros foram adicionados à banda no final de 1966: o tecladista Alain Le Govic e o guitarrista Jean-Pierre Alarcen. Mesmo acompanhando Dutronc, a banda trabalhou separadamente em composições escritas por Kawczynski, com letras de Puterflam. Sob o nome de Systeme Crapoutchik, eles lançariam vários EPs na Vogue sob a supervisão de Puterflam.

No final de 1968, Puterflam estava frustrado por participar das sessões da Systeme Crapoutchik apenas como produtor/letrista - isso, e ele sentia que era o melhor intérprete de suas próprias canções. O momento era certo para uma mudança de qualquer maneira, já que Le Govic e Pelay tinham acabado de sair da banda. Entretanto, "Crapou" juntou-se ao grupo de músicos que acompanhavam o musical "Hair" (isto graças a Alarcen, que já fazia algum tempo com a companhia de palco). George Rodi, que havia substituído Le Govic na banda de Dutronc, também ocupou seu lugar na Systeme Crapoutchik: André Sitbon, o baterista do grupo de apoio "Hair", sucedeu Pelay.

Depois de mais dois singles, no entanto, a Systeme Crapoutchik se separou para sempre em 1970. Nesse ponto, Padovan também foi tocar em "Hair", enquanto Sitbon e "Crapou" retomaram suas carreiras como acompanhantes e assistentes. Como um pós-escrito da história de Systeme Crapoutchik, devemos acrescentar que Puterflam lançou um álbum póstumo da banda em 1971, que de maneira típica (agora que o grupo estava extinto) recebeu boas críticas da imprensa!

Agora que dispensamos a história do Systeme Crapoutchik, é hora de voltar para 1967. Foi quando Puterflam conheceu o jovem compositor Bernard llous, que como ele escrevia canções para o editor musical Gérard Tournier. Ilous cresceu em um mundo musical, pois seus pais gostavam de jazz e música clássica. Quando descobriu o rock and roll na década de 1960, llous decidiu aprender sozinho a tocar violão e piano para poder reproduzir a música de seus ídolos. Ele começou tocando canções de sucesso da The Beatles (o grupo que mais admirava) e Bob Dylan, mas logo começou a compor suas próprias músicas, com letras em francês. Ilous queria ser compositor e criador, não um estudante, por isso apresentou seu material a Tournier, que demonstrou grande interesse pelo adolescente, e assinou com ele um contrato exclusivo de publicação. E então, aos dezenove anos, llous se sentava em um pequeno escritório todos os dias, compunha material em seu piano e guitarra e gravava demos em um pequeno Revox. Muitos dos melhores cantores da época, como Françoise Hardy, Eric Charden, Johnny Hallyday e Dick Rivers, gravaram canções escritas por llous.

Como Dutronc morava no mesmo prédio do escritório de Tournier (no andar de baixo), sua banda e Puterflam costumavam se encontrar lá. Alguns integrantes da banda - "Crapou", Kalafate (o primeiro baixista de Dutronc), Pelay, Alarcen e Le Govic -, estavam fazendo trabalho noturno com o cantor Eric Charden, para quem lotus havia escrito algumas canções. Puterflam ouviu essas faixas, achou que eram promissoras e combinou de encontrar todas elas.

Chegamos finalmente ao fatídico ano de 1969, quando Puterflam deixou a Vogue para criar o selo Flamophone. Uma nova gravadora precisa de lançamentos, então o criador do Flamophone pediu a ajuda de seus amigos. Puterflam gravou um single, "Le bal des enfers"/"Détachez-moi les bras" (Flamphone 4502): ambas as canções foram escritas por llous e acompanhadas por Systeme Crapoutchik.

Esse disco, lançado em 1970, marcou a estréia de llous como arranjador - no passado, ele apenas se contentava em contar suas idéias a outros arranjadores. Desta vez, llous percebeu suas canções inteiramente à sua maneira. Ele esteve presente durante a gravação e supervisionou o arranjo final e a mixagem. Embora tenha demonstrado o talento de todos os envolvidos, o single não teve uma boa recepção da mídia ou do público. Talvez fosse o conceito inovador das gravações, o uso de técnicas experimentais como o multi-tracking e o phasing, que ainda eram incomuns na França. Em todo caso, Puterflam apreciou toda a maneira de dar maior importância aos vocais e refrões. Eles voltaram à briga com um segundo single composto de duas novas músicas escritas por llous, "Le vieux pianiste lay"/"L'esprit du mal" (Flamphone 4506).

Puterflam criou o Flamophone ao seu gosto, insistindo numa certa estética baseada na qualidade do som e na riqueza da música. Ele sentiu que a gravadora era um laboratório no qual ele poderia aplicar seus princípios artísticos e teorias musicais para criar novas músicas, livre de considerações comerciais. Para conseguir isso, ele trabalhou apenas com pessoas que compartilhavam os mesmos ideais. E foi assim que Puterflam decidiu produzir um single para llous, que sempre quis cantar suas próprias canções. Eles gravaram duas faixas em julho de 1971, "Fille de lune" e "D'où vient le vent", com Padovan e André Sitbon como seção rítmica.

O single não teve sucesso, mas a qualidade de produção característica do Puterflam harmonizou-se perfeitamente com a predileção por vocais e arranjos refinados, atípico dos lançamentos franceses da época. Uma vez, Ilous escreveu uma música para uma jovem cantora e conheceu uma amiga dela, Patrice Decuyper. A dupla descobriu que tinham afinidades e conceitos comuns - os dois músicos queriam produzir música elaborada e aperfeiçoada - e decidiram trabalhar juntos. Assim como llous, Decuyper foi autodidata: felizmente, acabou se revelando um violonista talentoso, com um estilo delicado e inventivo.

Decuyper e llous admiravam artistas preocupados com a qualidade de sua música. Seus favoritos eram The Beatles, Jim Webb, Milton Nascimento (que llous descobrira por meio de um álbum que seu editor jogara na lata de lixo!). Joni Mitchell e Crosby, Stills, Nash & Young (por causa de suas harmonias vocais precisas e delicadas e a riqueza de suas melodias). Juntos, os dois músicos se acostumaram a compor e fazer arranjos em dupla. Este novo processo criativo mútuo foi desenvolvido através de uma série de "confrontos" artísticos, nos quais llous & Decuyper opôs suas idéias e melodias, eles selecionaram os melhores temas, separaram alguns deles e os juntaram novamente como canções inteiramente novas. Foi nesse caminho que eles encontraram um estilo comum - e não o estilo que pensavam que iriam encontrar. llous & Decuyper descobriu como uma dupla que preferiam a música emocional às demonstrações convencionais de habilidade técnica. Eles sentiram que poderiam criar um som sofisticado e original sem usar sua técnica para uma mera exibição de virtuosismo estéril.

Para criar música complexa, você precisa de um estúdio de gravação, e os estúdios de gravação custam dinheiro. Ilous & Decuyper encontrou uma maneira incomum de contornar esse problema. Durante 1970 e 1971, eles se agacharam nos estúdios da Vogue, gravando material nos equipamentos de 16 canais dos estúdios durante a noite (ou sempre que havia tempo entre as sessões) sob a supervisão de Régis Lecorre. O processo de gravação de um álbum dessa forma levou um ano inteiro. Uma razão para isso era que a llous & Decuyper não queria recrutar músicos de estúdio, que eles sentiam estar acostumados a tocar suas partes sem investir muito sentimento e que, portanto, tocavam sem convicção. A dupla sentiu que eram os únicos que podiam reproduzir sua música e transmitir seu entusiasmo e emoções a um público com precisão e autenticidade. llous & Decuyper sabia perfeitamente bem que tipo de som eles queriam obter, então eles esperaram para tocar os instrumentos eles mesmos.

Eventualmente, Ilous & Decuyper decidiu que não podia fazer tudo. Eles chamaram seus amigos Padovan, Sitbon e Alarcen da Systeme Crapoutchik para ajudá-los. Eles tiveram a sorte de se beneficiar do excepcional solo de guitarra de Alarcen na desconcertante versão cover da dupla de "Eleonor Rigby" (excelente, mesmo que o nome da música estivesse mal escrito). Como as sessões nunca foram planejadas com antecedência, Padovan, Sitbon e Alarcen muitas vezes não estavam disponíveis para gravar. Mas llous & Decuyper estava acostumado a condições incomuns. Às vezes, eles tocavam as linhas do baixo e do violão sozinhos da maneira convencional: outras vezes, eles afinavam seus violões e tocavam as linhas de baixo neles. Em uma faixa, Ilous executou as partes do baixo com os pedais de sustentação do órgão. Como ele era mais hábil com as mãos do que com os pés, ele se agachou e tocou os pedais do órgão com as mãos. A dupla também usou instrumentos que haviam sido deixados nos estúdios da Vogue por outros músicos. llous executou uma parte de órgão em um antigo modelo Filacorda, que começou a queimar enquanto ele tocava. Mesmo assim, ele continuou até que a faixa estivesse completamente gravada!

Esse espírito anárquico era contagioso. Um trompista do conservatório, Jean Jacques Justafré, participou da adorável "Cor Bucolique". Ao ler a partitura, Justafré disse a llous que sua técnica, a posição de sua boca e o alcance da trompa não lhe permitiriam tocar o notas mais altas da melodia. Mas llous e Decuyper insistiram, e Justafré superou suas próprias expectativas e conseguiu tocar as notas conforme escritas, orgulhoso de ter conseguido. Ao exigir que todos os envolvidos no álbum fizessem pequenos milagres, llous & Decuyper finalmente conseguiu o som genuíno, a música autêntica que eles queriam.

O álbum "llous & Decuyper" distingue-se pela excelência do trabalho em estúdio. Os dois compositores usaram todas as dezesseis faixas disponíveis para alcançar seu som único. Na verdade, eles usaram o processo de overdubbing quase ao extremo, já que sua busca pela perfeição parecia sempre exigir instrumentos e vozes adicionais. Os coros foram triplicados ou quadruplicados e, ainda assim, harmonizados, o que exigia um take por voz. Além disso, ambos os músicos queriam experimentar novos efeitos e orientações, afinando suas guitarras até os limites de sua precisão tonal, para produzir sons inesperados e pessoais. Por exemplo, em seu segundo single, em um dueto com Alarcen, lious usou um pedaço de feltro para obter um som peculiar que ele tinha em mente para a música. Certamente se pode dizer que a música de llous & Decuyper era original e inventiva.

Agora que esse álbum incrível estava completo, havia a tarefa de pressioná-lo e promovê-lo. Como cartão de visita, um single contendo duas faixas do álbum, "L'elu"/"Non", foi lançado em junho de 1971. O disco recebeu boas críticas da crítica, e Jean Bernard Hebey da RTL tocou com frequência. O álbum "llous & Decuyper" foi lançado em julho de 1971 (Flamophone 33.03), apresentando na capa uma fotografia em infravermelho azul dos dois músicos. O álbum também teve uma boa recepção. Mas tocar composições de estúdio complexas ao vivo era difícil, e a dupla não queria que um público que esperava música refinada ficasse desapontado. As vendas de álbuns (supostamente em um total de 12.000 cópias) foram insuficientes para permitir que eles montassem uma formação para shows. No final, llous & Decuyper fez alguns pequenos shows, usando apenas seus violões.

Enquanto isso, llous trabalhava como cantor de fundo para ganhar a vida. Ele lançou um single por conta própria em 1972, que incluía "Bienheureux les innocents"/"Comme les autres". Nesse mesmo ano, llous & Decuyper gravou um single com a participação de Gérard Cohen, amigo de Decuyper, no baixo e Jean-Loup Besson, ex-integrante da Quo Vadis, na bateria. O dueto havia planejado um segundo álbum, mas esse projeto foi logo abandonado devido às baixas vendas de seu debut. 

llous seguiu a carreira de cantor e músico de estúdio. Lançou um álbum solo em 1974 ("Ilous"), com a ajuda de alguns amigos, entre os quais Georges Rodi e Jean-Pierre Alarcen. Patrice Decuyper desapareceu da cena musical e se tornou um antiquário/vendedor de livros. llous & Decuyper criaram seu próprio estilo e som cheio de sutileza e emoção - uma música elaborada baseada em arranjos e orquestrações elegantes e originais. O álbum deles passou a ser visto como representante de um determinado segmento da cena musical francesa que preferia a música sensual às frequentes mudanças de acordes. Na verdade, sempre pareceu uma pena que o LP da llous & Decuyper não estivesse mais amplamente disponível. É um álbum inspirado, repleto de harmonias vocais soberbos, adoráveis ​​melodias pastorais e uma qualidade introspectiva que o diferencia da maioria dos outros esforços musicais da época. Isso apenas mostra o que pode ser feito com um ano passado agachado em um grande estúdio (Vogue) e gravando depois do expediente, se você tiver talento, ótimas músicas e talento para overdubs.

⭐⭐⭐⭐⭐

Ilous & Decuyper is a French progressive folk
rock duo from the early 1970s, formed by
Bernard Ilous and Patrice Decuyper.
Below is the text found in the
booklets that come with the CD.

Story

The story of Ilous & Decuyper is intertwined with the story of the creation of the Flamophone label by music impressario Claude Puterflam, a genesis that owes much to French rock icon Jacques Dutronc (if only in an indirect way). Puterflam began his musical career as a singer/songwriter, and was signed by the Vogue label in 1965. He released a few singles and EP's before becoming an artistic director for that company. Meanwhile, a group of musicians were making their way in the world of French rock as the backing band to Jacques Dutronc (who had become an unexpected star in 1966 with his hit "Et moi, et moi"): this band was comprised of guitarist Gérard Kawczynski (nicknamed "Crapou" by Dutronc), bass player Christian Padovan, and drummer Michel Pelay.

After several attempts by Dutronc to enlarge the Crapou/Padovan/Pelay nucleus, two new members were added to the band in late 1966: keyboard player Alain Le Govic, and guitarist Jean-Pierre Alarcen. Even while accompanying Dutronc, the band worked separately on compositions written by Kawczynski, with lyrics by Puterflam. Under the name of Systeme Crapoutchik, they would release several EP's on Vogue under Puterflam's supervision.

By late 1968, Puterflam was frustrated by participating in the Systeme Crapoutchik sessions only as producer/lyricist-that, and he felt that he was the best interpreter of his own songs. The timing was right for a change anyway, since Le Govic and Pelay had just quit the band. Meanwhile, "Crapou" joined the group of musicians accompanying the musical "Hair" (this thanks to Alarcen, who had already been with the stage company for awhile). George Rodi, who had replaced Le Govic in Dutronc's band, also took his place in Systeme Crapoutchik: André Sitbon, the drummer of the "Hair" backing group, succeeded Pelay.

After two more singles, however, the Systeme Crapoutchik split up for good in 1970. At that point, Padovan also went to play in "Hair", while Sitbon and "Crapou" resumed their careers as accompanists and sessionmen. As a postscript to the Systeme Crapoutchik story, we should add that Puterflam released a posthumous album by the band in 1971, which in typical fashion (now that the group was defunct) received good reviews from the press!

Now that we have dispensed with the history of Systeme Crapoutchik, it's time to backtrack to 1967. This was when Puterflam met young composer, Bernard llous, who like himself was writing songs for music publisher Gérard Tournier. Ilous had grown up in a musical world, as his parents were fond of jazz and classical music. When he discovered rock and roll in the 1960's, llous decided to teach himself guitar and piano so he could reproduce the music of his idols. He started out playing hit songs by The Beatles (the group he admired the most) and Bob Dylan, but soon began composing his own music, with lyrics in French. Ilous wanted to be a composer and a creator, not a student, so he presented his material to Tournier, who showed a great interest in the teenager, and signed him to an exclusive publishing contract. And so, at the age of nineteen, llous sat in a small office every day, composed material on his piano and guitar, and recorded demos on a small Revox. Many top singers of the era, such as Françoise Hardy, Eric Charden, Johnny Hallyday, and Dick Rivers recorded songs written by llous.

As Dutronc was living in the same building as Tournier's office (on the floor below), his band and Puterflam often met there. Some of the band ("Crapou"), Kalafate (Dutronc's first bass player), Pelay, Alarcen, and Le Govic, were moonlighting with singer Eric Charden, for whom lotus had written some songs. Puterflam heard these tracks, thought they were promising, and arranged to meet llous.

We come at last to the fateful year of 1969, which is when Puterflam left Vogue to create the Flamophone label. A new label needs releases, and so the creator of Flamophone turned to his friends for help. Puterflam recorded a single, "Le bal des enfers"/"Détachez- moi les bras" (Flamphone 4502): both songs were written by llous and accompanied by Systeme Crapoutchik.

This record, released in 1970, marked llous' debut as an arranger-in the past, he had merely contented himself with telling other arrangers his ideas. This time, llous realized his songs in entirely his own way. He was present during the recording, and supervised the final arrangement and mixing. Although it demonstrated the talents of all concerned, the single did not meet with a good reception from the media or the public. Perhaps it was the innovative concept of the recordings, their use of experimental techniques such as multi tracking and phasing, which were still unusual in France. In any case, Puterflam appreciated llous' way of giving greater importance to vocals and choruses. They returned to the fray with a second single composed of two new tunes written by llous, "Le vieux pianiste laid"/"L'esprit du mal" (Flamphone 4506). 

Puterflam had created Flamophone to suit his own taste, insisting on a certain aesthetic based on the quality of the sound and the richness of the music. He felt that the label was a laboratory in which he could apply his artistic principles and musical theories to create new music, free from commercial considerations. To attain this, he worked only with people who shared the same ideals. And so it was that Puterflam decided to produce a single for llous, who had always wanted to sing his own songs. They recorded two tracks in July 1971, "Fille de lune" and "D'où vient le vent", with Padovan and André Sitbon as rhythm section.

The single was unsuccesful, but Puterflam's characteristic production quality harmonized perfectly with llous predilection for refined vocals and arrangements, atypical of French releases of the era. Ilous had at one time written a tune for a young singer, and had met a friend of hers, Patrice Decuyper. The pair discovered that they had common affinities and conceptions-both musicians wanted to produce elaborate and perfected music-and decided to work together. Like llous, Decuyper was self taught: luckily, he turned out to be a talented acoustic guitar player, with a delicate and inventive style.

Decuyper and llous both admired artists who were concerned with the quality of their music. Their favourites were The Beatles, Jim Webb, Milton Nascimento (whom llous had discovered through an album his publisher had thrown into the wastepaper basket!). Joni Mitchell, and Crosby, Stills, Nash & Young (because of their accurate and delicate vocal harmonies and the richness of their melodies). Together, the two musicians had get used to composing and arranging as a duo. This new mutual creative process was developed through a series of artistic "confrontations", in which llous & Decuyper pitted their ideas and melodies one against the other, they then selected the best themes, cut some of them apart, and put them together again as entirely new songs. It was in this crucible that they came to find a common style-and not the style that thought that they would find. llous & Decuyper discovered as a duo that they preferred emotional music to conventional demonstrations of technical skill. They felt that they could create a sophisticated and original sound without using their technique for a mere display of sterile virtuosity.

In order to create complex music, you need a recording studio, and recording studios cost money. Ilous & Decuyper found an unusual way around that problem. During 1970 and 1971, they squatted in the Vogue studios, recording material on the studios' 16-track equipment during the night, (or whenever time was available between sessions) under the supervision of Régis Lecorre. The process of recording an album this way took an entire year. One reason for this was that llous & Decuyper did not want to recruit studio musicians, whom they felt were used to playing their parts without investing much feeling, and who therefore played with no conviction. The duo felt that they were the only ones who could reproduce their music and transmit their enthusiasm and emotions to an audience with accuracy and authenticity. llous & Decuyper knew perfectly well what kind of sound they wanted to obtain, and so they waited around to play the instruments themselves.

Eventually, Ilous & Decuyper decided that they could not do everything. They called upon their friends Padovan, Sitbon, and Alarcen from Systeme Crapoutchik to help them out. They were fortunate to benefit from Alarcen's exceptional guitar solo on the duo's disconcerting cover version of "Eleonor Rigby" (excellent, even if the name of the song was mis-spelled). As sessions were never planned ahead of time, Padovan, Sitbon and Alarcen were often not available to record. But llous & Decuyper were used to unusual conditions. Sometimes they played the bass and guitar lines by themselves the conventional way: at other times they would tune their acoustic guitars down and play bass lines on them. On one track, lus performed the bass parts with the sustaining pedals of the organ. As he was more skillful with his hands than his feet, he crouched down and played the organ pedals with his hands. The pair also used instruments that had been left at the Vogue studios by other musicians. llous performed an organ part on an old Filacorda model, which started burning while he was playing. Still, he went on until the track was completely recorded!

This anarchic spirit was contagious. A horn player from the conservatoire, Jean Jacques Justafré, guested on the lovely "Cor Bucolique". Upon reading the score, Justafré told llous that his technique, the position of his mouth and the range of the horn would not enable him to play the highest notes of the melody. But llous & Decuyper insisted, and Justafré surpassed his own expectations and managed to play the notes as written, taking pride in having succeeded. By requiring everybody involved in the album to work minor miracles, llous & Decuyper finally obtained the genuine sound, the authentic music, that they wanted.

The "llous & Decuyper" album is distinguished by the excellence of the studio work. The two composers used all sixteen tracks available to them in order to achieve their unique sound. In fact, they used the overdubbing process almost to an extreme, as their search for perfection seemed always to require additional instruments and voices. Choruses were tripled or quadrupled, and yet harmonised, which required one take per voice. Moreover, both musicians wanted to experiment with new effects and orientations, tuning their guitars to the limits of their tonal accuracy, to produce unexpected and personal sounds. For example, on their second single, in a duet with Alarcen, lious used a piece of felt to obtain a peculiar sound that he had in mind for the song. One can certainly say that the music of llous & Decuyper was original and inventive.

Now that this incredible album was complete, there was the task of pressing and promoting it. As a calling card, a single containing two tracks from the album, "L'elu"/"Non", was issued in June of 1971. The record received good notices from the critics, and Jean Bernard Hebey from RTL gave it frequent airplay. The "llous & Decuyper" album was released July 1971 (Flamophone 33.03), featuring a blue infra-red photograph of the two musicians on the cover. The album also met with a good reception. But playing complex studio compositions live was difficult, and the duo did not want an audience who expected refined music to be disappointed. Album sales (said to be a total of 12,000 copies) were insufficient to enable them to put together a line-up for gigging. In the end, llous & Decuyper played a few small gigs, using only their acoustic guitars.

Meanwhile, llous worked as a background singer in order to earn a living. He released a single on his own in 1972, which included "Bienheureux les innocents"/"Comme les autres". That same year, llous & Decuyper recorded a single with the participation of Gérard Cohen, a friend of Decuyper's, on bass and Jean-Loup Besson, a former member of Quo Vadis, on drums. The duet had planned a second album, but this project was soon abandoned due to the low sales of their debut. 

llous pursued a career as singer and session musician. He released a solo album in 1974 ("Ilous"), with the help of some friends, among whom were Georges Rodi and Jean-Pierre Alarcen. Patrice Decuyper disappeared from the music scene and became an antique dealer/book seller. llous & Decuyper created their own style and sound full of subtlety and emotion-an elaborate music based on elegant and original arrangements and orchestrations. Their album has come to be seen as representative of a certain segment of the French music scene that preferred sensuous music to frequent chord changes. In fact, it has always seemed a pity that the llous & Decuyper LP has not been more widely available. It is an inspired album, replete with superb vocal harmonies, lovely pastoral melodies, and an introspective quality that sets it apart from most other musical efforts of the time. It just goes to show what can be done with one year spent squatting in a major studio (Vogue) and recording after hours if you have talent, great songs, and a flair for overdubs.

Músicos
Bernard Ilous - voz, guitarras
acústicas e elétricas, piano,
piano elétrico, órgão,
flautas, percussões
Patrice Decuyper - vocais,
guitarras acústicas e
elétricas, percussões
Jean-Pierre Alarcen - violão
Christian Padovan - baixo
André Sitbon - bateria
Gérard Cohen - baixo
Jean-Lou Besson - bateria
Jean-Jascues Justafré - trompa

Ilous & Decuyper
01. Indifférents
02. Vous mourrez demain
03. Cor Bucolique
04. Eleonor Rigby
05. Non
06. Nuit de glace
07. L'élu
08. Cyclothymie
09. Mélancolie
10. Hawaï
11. Berceuse
12. Beurk!!!
13. Indifférents
14. Aime-toi toi-même (bonus)
15. L'espoir (bonus)

Mp3 320kbps and full artworks: enjoy!

Ilous & DecuyperCor Bucolique - 1971
Ilous & Decuyper - Eleonor Rigby - 1971

domingo, 14 de março de 2021

Solen Skiner - Solen Skiner - 1976 (Hard Blues Rock {Suécia})

Solen Skiner - Solen Skiner - 1976

Solen Skiner foi uma banda sueca que surgiu durante os preparativos para o primeiro "Gärdesfesten" em Estocolmo em junho de 1970, onde o grupo também fez seu primeiro show.

Solen Skiner iniciou seu projeto musical baseado no rock progressivo, com letras sobre, entre outras coisas, a natureza sueca e o militarismo. Os membros eram Håkan Agnsäter, Sven Bjärhall, Gunnar Lidström e Åke Näslund. No segundo "Gärdesfesten" em agosto de 1970, o grupo foi gravado pela gravadora não comercial Silence e participou do LP "Festen på Gärdet" (1971) com a canção "Militär".

Depois que o grupo foi expandido em 1972 com Christer Nahrendorf, Lennart Holmgren e Göran Hammarén (1974) e Christer Kilander (1975), o repertório tornou-se cada vez mais blues rock baseado em letras do cotidiano vivenciado pela própria pessoa. Entre 1974 e 1978, o grupo teve cerca de 490 shows de Luleå a Ystad. A maioria dos shows foi em centros juvenis, fóruns de música, festivais, prisões e vários shows de apoio. Solen Skiner também fez quatro gravações para o programa de rádio Tonkraft entre 1973 e 1977 e apareceu em dois programas de TV - "Lördags" (transmitido na TV2 em 18 de setembro de 1976) e "Popluvan" (transmitido na TV1 em 5 Janeiro de 1977).

Em 1976 veio o primeiro LP, "Solen Skiner", produzido por Tore Berger no MNW. A foto da capa foi tirada por Carl Johan De Geer. As canções populares do álbum foram "Valfläskboogie" e "Dolda Förtrycket". Em 1977 veio o segundo LP, "Strålande tider" (lançado pelo selo Musiklaget), com canções como "Tio våningar att falla" e "Ta hand om ditt liv". O grupo também apareceu no filme "Vi har vår egen sång", que era sobre o "Alternativfestivalen" ("Festival Alternativo") de Estocolmo, em 1975.

Solen Skiner fez alguns shows desde a dissolução em 1978, incluindo "Hellvi" em Gotland (1996), "Tantogården" em Estocolmo (1999), "Kärrtorp" em Estocolmo (2012) e em Aspuddens Bokhandel (2013). O baterista de Solen Skiner, Håkan Agnsäter, publicou o livro "Affischerna 1967-1979 - från den svenska musikrörelsen" em 2013.

⭐⭐⭐⭐⭐

Solen Skiner was a Swedish band that emerged during preparations for the first "Gärdesfesten" in Stockholm in June 1970, where the group also played their first show.

Solen Skiner started his musical project based on progressive rock, with lyrics about, among other things, Swedish nature and militarism. The members were Håkan Agnsäter, Sven Bjärhall, Gunnar Lidström and Åke Näslund. In the second "Gärdesfesten" in August 1970, the group was recorded by the non-commercial label Silence and participated in the LP "Festen på Gärdet" (1971) with the song "Militär".

After the group was expanded in 1972 with Christer Nahrendorf, Lennart Holmgren and Göran Hammarén (1974) and Christer Kilander (1975), the repertoire became increasingly blues rock based on everyday lyrics experienced by the person himself. Between 1974 and 1978, the group had about 490 shows from Luleå to Ystad. Most of the shows were in youth centers, music forums, festivals, prisons and various support shows. Solen Skiner also made four recordings for the radio program Tonkraft between 1973 and 1977 and appeared on two TV programs - "Lördags" (broadcast on TV2 on September 18, 1976) and "Popluvan" (broadcast on TV1 on January 5, 1977).

In 1976 came the first LP, "Solen Skiner", produced by Tore Berger at MNW. The cover photo was taken by Carl Johan De Geer. The popular songs on the album were "Valfläskboogie" and "Dolda Förtrycket". In 1977 came the second LP, "Strålande tider" (released by the Musiklaget label), with songs like "Uncle våningar att falla" and "Ta hand om ditt liv". The group also appeared in the film "Vi har vår egen sång", which was about the Stockholm "Alternativfestivalen" (Alternative Festival) in 1975.

Solen Skiner has done some shows since the dissolution in 1978, including "Hellvi" in Gotland (1996), "Tantogården" in Stockholm (1999), "Kärrtorp" in Stockholm (2012) and Aspuddens Bokhandel (2013). Solen Skiner drummer Håkan Agnsäter published the book "Affischerna 1967-1979 - från den svenska musikrörelsen" in 2013.

Todos os membros
Håkan Agnsäter - bateria
Sven Bjärhall - voz, guitarra, piano
Göran Hammarén - baixo (1974–1975)
Lennart Holmgren - gaita
Christer Kilander - baixo (1975–1978)
Gunnar Lidström - vocal, baixo (1970, 2012)
Roland Ljungberg - flauta (1971)
Christer Nahrendorf - vocal, guitarra
Åke Näslund - baixo (1970-1973, 1998-)
Elsie Petrén - saxofone (1978)
Peder af Ugglas - guitarra, piano (1998–2004)
Kurt Tärnlund - vocal (1996)
Lena Frelin - vocal, ritmo (1997-1999)
Mia Sundström - vocal (1997-1999)
Malte Sjöstrand - órgão Hammond,
teclado (1997-1999)

Membros neste álbum
Christer Nahrendorf - vocal, guitarra
Sven Bjärhall - voz, guitarra, piano
Christer Kilander - baixo
Lennart Holmgren - gaita
Håkan Agnsäter - bateria

Solen Skiner
01. Vissla i Mörkret
02. Entertainment
03. Introck
04. Min tystnad
05. Valfälskboogie
06. Dolda förtrycket
07. Som i en film
08. Kamelen dansar

Mp3 320kbps and low quality artworks: enjoy!

Solen Skiner - Valfälskboogie1975
Solen Skiner - Dolda förtrycket - 1976